Wer gerne das Klangerlebnis echter Kalbsfelle auf seinen Drums möchte, ohne auf die Vorzüge moderner Kunststofffelle verzichten zu wollen, steht vor einer überschaubaren, aber interessanten Auswahl. Zwei Namen stehen dabei im Mittelpunkt: die Evans ’56 Calftone und die Adoro Heritage. Beide versprechen warmen, organischen Ton – doch in der Praxis zeigen sich deutliche Unterschiede.

Evans Calftone: Klanglich überzeugend, aber dauerhaft problematisch

Die Evans ’56 Calftone sind seit ihrer Einführung 2016 beliebt bei Jazz- und Vintage-Drummern. Das 7-Mil-Mylar-Basisfell mit synthetischer Faserbeschichtung liefert einen warmen, fokussierten Ton mit reduzierten Obertönen – ideal für klassisches Bebop-Tuning (MusicRadar). Klanglich kann das Fell also punkten.

Das große Problem ist die Haltbarkeit. Viele Drummer berichten seit Jahren von Blasen- und Faltenbildung, teils bereits nach wenigen Gigs. (Drum Forum) Ein Nutzer schildert, wie sein Calftone-Fell auf der Snare beim ersten Gig schon nach einer Stunde Blasen warf und das Besenspiel zunehmend erschwerte. Selbst Garantietausche führten zum gleichen Ergebnis – das Problem scheint konstruktionsbedingt zu sein. Wer viel mit Besen spielt, riskiert also, dass die Oberfläche die Bürstendrähte einfängt.

Das Heritage Fell besteht aus einer patentierten Fasermischung, welche die besten Eigenschaften von Naturfellen mit den Vorzügen der Kunstfelle verbindet, ohne deren Nachteile: Stimmstabil, tief und leicht stimmbar, hervorragender warmer Klang.

Adoro Heritage: Stabiler, tiefer, echter

Die Adoro Heritage Felle gehen den gleichen Weg – synthetisches Kalbsfell-Imitat – lösen aber die bekannten Schwachstellen. Hier fehlt die bei Evans und Remo übliche zusätzliche Lage Fasern, die folglich auch nicht zerspielt werden können. Das Fell selbst besteht aus einer dünnen Lage einer patentierten Fasermischung, aufgeraut für Besenspiel.  Laut Drummer Kris Redus, der das Fell ausführlich auf seinem Ludwig-Kit aus den 50ern getestet hat, klingt das Fell deutlich weniger nach Plastik als seine Mitbewerber. Der Anschlag ist weicher und abgerundeter, die Höhen rollen auf eine angenehme Art ab, und der Gesamtklang erinnert ihn an den Unterschied zwischen Kondensator- und Bändchenmikrofon: satt, warm, dunkel.

Entscheidend ist aber vor allem: Die Adoro Heritage Felle entwickeln keine Falten oder Blasen – ein direkter Vorteil gegenüber Evans Calftone und Remo Fiberskyn. Dazu kommt, dass sie sich deutlich tiefer stimmen lassen als herkömmliche Synthetikfelle, ohne dabei an Klangqualität einzubüßen. Für Studio-Drummer, die ein Set für lange Zeit montiert lassen, ist das ein erheblicher Vorteil. Dabei klingen die Heritage Felle nicht nur authentischer, wärmer, dabei offener, sondern sind auch noch günstiger, im direkten Vergleich zu den Calftone-Fellen und Remos Fiberskyns bis zu 30% günstiger!

Fazit

Wer ein authentisches Vintage-Feeling sucht und Wert auf Langlebigkeit legt, ist mit den Adoro Heritage Fellen besser beraten. Die Evans Calftone klingen gut – solange sie halten. Für den ernsthaften Studio- und Bühneneinsatz, gerade mit Besen, ist das schlicht zu wenig.

Kris Redus erklärt seine Erfahrungen mit den Adoro Heritage Fellen im folgenden Video:

Wer Adoro Felle nicht kennt und glaubt, dass die Heritage Felle von Evans inspiriert seinen: tatsächlich fertigt Adoro diese Felle bereits seit 2011, also fünf Jahre, bevor Evans seine Calftone Heads einführte. Dass diese dennoch nicht so bekannt sind, muss wohl darauf zurück zu führen sein, dass man sie nicht so ohne weiteres überall kaufen kann. Zumindest in Deutschland kann man sie aber inzwischen schon in mehreren Läden erstehen, zb. bei Zoundhouse und Shop2rock, international zumindest bei Amazon sowie bei Adoro direkt, in Kanada bei dem Musikhändler Long & McQuade.  Bleibt zu wünschen, dass sich hier auch mal die Qualität durch setzt, für mich sind diese Felle schon jetzt die größte Neuerung, welche die Branche in den letzten 30 Jahren hervor gebracht hat! Besser haben meine Drums nie geklungen, und ich muss dafür weder neue Drums noch irgendwelche teuren Gadgets kaufen, einfach nur die Felle wechseln!

Links:
Testbericht von Bonedo

Christoph Schmieding

Aufgewachsen als Gemeindemusiker, trommelt Chris heute in verschiedenen Projekten im Bereich Singer/Songwriter, Gospel, Jazz und Improvisationsmusik. Chris ist Teil der Mosaik Community Düsseldorf, die im Rahmen ihrer „Kulturbühne“ regelmäßig Konzerte mit bekannten Künstlern in Wohnzimmer Atmosphäre organisiert.

Moin Stefan,
ich war Samstag auf einem Musikerflohmarkt, und da war ein Typ, der alte Schlagzeuge wieder instand setzt und sagt, dass die alten 30-50 Jahre alten Holzkessel besser klingen, weil sie richtig durchgetrocknet sind, ähnlich wie bei den Vintage-Gitarren von Fender, Gibson und Gretsch.
Was denkst du darüber?
Gibt es Vorteile von alten 30-50 Jahre alten Schichtholzkesseln im Vergleich zu neuen Holzkesseln, abgesehen davon, dass sie damals in Deutschland und Japan hergestellt wurden und nicht in China?

Sonnige Grüße, Klaus

Die Annahme, dass „durchgetrocknetes Holz“ Vorteile bei Schlagzeugen bietet, würde ich eher als Mythos einstufen. Der Verweis auf Gitarren macht deutlich: Hier geht es nicht um das Alter des Holzes – man kann auch neue Instrumente aus 50 Jahre altem Holz herstellen, da oft das Holz bereits Jahrzehnte vor dem Bau gelagert wurde -, sondern um die Tatsache, dass sich bei Vollholzdecken diese „einschwingen“, d.h., sie werden durch regelmäßiges Spielen ständig in Schwingung versetzt, was den Klang beeinflusst. Das ist eine laienhafte Beschreibung, da ich nicht genau weiß, wie dieser Prozess vonstattengeht, und es wohl eher eine Vermutung als eine genaue Wissenschaft ist (in Blindtests mit echten Stradivaris und künstlich gealtertem Holz konnten die Zuhörer die Stradivari nicht mehr eindeutig identifizieren und bevorzugten die neuen Geigen –Link)

Wie auch immer die Theorie lautet, sie schließt definitiv Sperrholzdecken aus.

Nun haben wir bei Schlagzeugen das Problem, dass wir nicht die Decke, sondern den Korpus bauen. Der Korpus schwingt nicht, und er besteht aus Schichtholz. Diese Erklärung funktioniert hier also nicht.

Es kann jedoch durchaus sein, dass ältere Instrumente besser klingen als heutige, aber das kann verschiedene Gründe haben. Der allererste Grund ist wohl, dass Schlagzeuge heute anders gebaut werden als noch in den 50ern. Mit dem Beginn der Beat-Ära begann auch die Massenproduktion von Schlagzeugsets, was zu komplett anderen Produktionsmethoden und Kesselaufbauten führte. Vorher wurde das Holz dreilagig verleimt und dann um einen Verstärkungsring gerollt, ähnlich wie beim Gitarrenbau, während man Mitte/Ende der 60er Jahre fast vollständig auf industrielle Fertigung mit Kessel- bzw Zargenpressen umstellte. Der Begriff „Kessel“ ist eigentlich unpassend für das, was wir beim Schlagzeug finden: Pauken haben Kessel, Schlagzeuge haben Zargen. Kessel haben immer einen Boden; wenn er kein Wasser halten kann, ist es eine Zarge. Leider hat sich beim Schlagzeug der Begriff „Kessel“ eingebürgert, obwohl wir eigentlich wissen sollten, dass das falsch ist, da wir für den Wasserkessel denselben Begriff verwenden. Leider, denn dadurch werden oft Eigenschaften, die einem Kessel eigen sind, fälschlicherweise auch auf eine Zarge übertragen, obwohl sie musikalisch eine völlig andere Funktion und Physik haben.

Man muss also genauer hinsehen, warum man meint, dass ältere Schlagzeuge besser klingen. Ich würde das nicht pauschal bestätigen, sondern nach äußeren Merkmalen suchen: In der Zeit vor ’64 gab es keine Marshall-Verstärker auf den Bühnen, die übertönt werden mussten; Schlagzeugsets wurden als akustische Instrumente für den Raum gebaut, nicht halbakustisch für die Verstärkung. Heute werden Schlagzeuge jedoch hauptsächlich für Mikrofone gebaut; das Synonym für Schlagzeug ist „laut“, was bereits darauf hinweist, dass es nicht gut klingt (wir definieren Lautstärke nicht anhand von Schalldruck, sondern Klang; einen unausgewogenen, unangenehmen Klang empfinden wir als laut). Die Lautstärke der Trommeln kam nicht von ungefähr. Ich habe dazu bereits einen längeren Artikel verfasst, zusammen mit Wayne Blanchard, A&R bei Sabian seit den 80ern, der mit Künstlern wie Mike Portnoy und Phil Collins gearbeitet hat und die 60er Jahre noch live erlebt hat:

https://www.lowvolumedrumming.org/how-did-drumming-get-so-damned-loud/ (derzeit nur auf Englisch, aber leicht mit deepl.com übersetzbar, wenn der Browser das nicht automatisch macht…)

Die großen Schlagzeuge, wie wir sie von den Jazzbands der 60er kennen, waren bereits vor der Verstärkung auf Lautstärke ausgerichtet, da eine Bläserbigband verdammt laut sein kann. Normale Schlagzeugsets hatten jedoch in der Regel kleinere Größen, eine 18-20-Zoll-Bassdrum, recht flache, kleine 10- oder 12-Zoll-Snares und oft Bongos anstelle von Toms. Auch die Spielweise (traditioneller Griff) trug dazu bei, dass diese Schlagzeuge wesentlich angenehmer klangen als ihre modernen Pendants. Dies wurde durch die Verwendung von Kalbfellen, kleinere Korpusgrößen und dünnere Korpusse erreicht (die Verstärkungsringe waren technisch notwendig und nicht entscheidend – bei modernen Schlagzeugen sind sie aufgrund der völlig anderen Bauweise überflüssig und führen nicht zu dem gewünschten Ergebnis, da sie nicht den Klang des Korpus so warm machen…). Zwar führte bereits die Einführung von Kunststofffellen zu einem deutlich lauteren Spiel der Schlagzeuger, aber mit der Beat-Ära begann auch eine Zeit, in der Schlagzeuger häufiger ohne traditionelle Ausbildung in ihrer Spieltechnik einfach losspielten und dabei von großen, lauten Trommeln angezogen wurden. Schlagzeuge, die auf klangliche Qualität optimiert sind, wurden von ihnen gemieden, und heute finden sie kaum noch ihren Weg in den Handel. Stattdessen wurde zur Gewohnheit, dass jede Trommel einzeln mit mindestens einem Mikrofon abgenommen und verstärkt wird, egal wie klein die Veranstaltung ist. Schließlich war der Motor der Beat-Ära und der folgenden Zeit die Rockmusik, was bedeutete, dass elektrisch verstärkte Musik populär wurde. Der Klang wurde dadurch flexibler („fix it in the mix“), und Ausgewogenheit war nicht mehr notwendig. Dass das Schlagzeug – eigentlich ein akustisches Instrument – zu einem halbakustischen Instrument mutierte, fällt meist nur den Schlagzeugern auf, die viel akustisch spielen, und dann oft ohne zu wissen warum, auf Instrumenten spielen, die vor den 60ern gebaut wurden. Eigentlich sollten heutige Schlagzeuge, wie es bei halbakustischen Instrumenten üblich ist, mit einem eigenen Abnahmesystem geliefert werden, aber das hat sich nicht durchgesetzt ($$$ – warum sollte man Mikrofone mitbezahlen, wenn sie in der Veranstaltung sowieso bereitgestellt werden?!)

Nun weißt du, warum. Nein, es liegt nicht am Holz. Aber ja, solche Schlagzeuge können, wenn sie gut in Schuss sind, sehr gut klingen.

Dies ist quasi das Fachgebiet von Adoro, da sie ebenfalls Schlagzeuge für den akustischen Einsatz bauen, und die obige Erklärung muss normalerweise vorangestellt werden, um zu erklären, was der Unterschied zu normalen Schlagzeugen ist. Denn dass Schlagzeuge heute quasi halbakustische Sets ohne Abnahmesystem sind, weiß fast niemand.

Der Vorteil echter akustischer Schlagzeuge ist übrigens, dass sie mit jedem guten Mikrofon gut klingen und wenig Erfahrung bei der Abnahme erfordern – ein gutes akustisches Instrument kann man mit einem guten Kondensatormikrofon abnehmen, mit möglichst großem Abstand (mindestens 30 cm, besser 1-2 m), dann klingen sie voller, und mit neutraler EQ-Einstellung (ursprünglich nur zum Entzerren gedacht, um den akustischen Klang möglichst verlustfrei reproduzieren zu können). Und man benötigt auch keine speziell für Schlagzeuge präparierten Räume. Es ist seltsam, dass „normale“ Schlagzeuge für eine Abnahme nur in teuren Studios gut klingen, mit einem speziell für Schlagzeug ausgelegten Raum, mit speziellen Schlagzeugmikrofonen und isoliert von allen anderen Instrumenten.

Wer das nicht will, greift zu Vintage-Schlagzeugen oder kauft ein Adoro-Set 🙂

Stefan Korth

Stefan ist Schlagzeugbauer und Unternehmer. Mit seinen „leisen Schlagzeugen“ hat er einen eigenen Ansatz an das Trommelbauen: er hat sich auf den Bau von Schlagzeugen spezialisiert, die tatsächlich akustisch gespielt werden. Passend dazu schuf und vertreibt er sehr erfolgreich die Silent Sticks, Trommelstöcke, die 80% leiser sind, sowie Heritage Heads, Attack-reduzierte Schlagzeugfelle für den akustischen Einsatz. Er ist verheiratet, hat 5 Kinder, und lebt mit seiner Familie in Hamburg.

Adoro Heritage im Test:

DAS AUGE HÖRT MIT

Ohren auf! Schlagzeug-Spezialist Adoro spendiert seinen Heritage-Fellen eine Neuauflage. Noch klangstärker, strapazierfähiger und stimmstabiler sollen die „2.0er“ sein – dem einzigartigen, patentierten Faserstoff sei Dank. Klingt das nach noch mehr musikalischer Magie made in Hamburg? Eine Frage, die nicht nur Profis unter den Nägeln brennt. Dieser Test gibt Antworten.

It’s All In The Heads
Adoro ist anders. Das zeigt schon der Blick auf die Werbematerialien, mit denen der Custom-Hersteller aus dem hohen Norden seine Produktpalette in Szene setzt. Sie reicht von flüsterleisen Sticks über handverlesene Shell-Sets bis hin zu Fellen, die kaum übersehen werden können. Allen voran: die Heritage-Serie. Mit ihrer Maserung und Farbgebung erinnern die Drumheads nicht nur optisch an Naturfelle aus Kalbshaut. Als Schlagzeugerin mit teils klassischer Ausbildung kann ich es bestätigen: Auch klanglich kommen die Heritages ihren tierischen Vorbildern erstaunlich nahe. Dafür sorgt der zum Patent angemeldete Faserstoff der Hamburger. Was genau darin verarbeitet ist, bleibt natürlich ein gut gehütetes Geheimnis. Fest steht aber: Die Neuauflage der „Erbstücke“ lässt sich weder übersehen noch überhören. „not usual“ als Statement ziert also nicht nur Adoros aktuellen Produktkatalog.

Warm, wärmer, Heritage
Was wäre ein Schlagzeugfell, wenn es nur einen Bruchteil an Performance aus der Zarge herausholen würde? Das dachte sich auch der Spezialist für die leisen Töne. Adoros Heritage-Heads trumpfen dabei gleich mit einem Blumenstrauß an vielversprechenden Eigenschaften auf. Ganz natürlich kommt zum Beispiel ihre Wärme daher: Kurzerhand zaubern sie auch in kleine Räume reichlich Volumen.  Wenig überraschend, denn Adoro selbst empfiehlt seine Erbstücke insbesondere für unverstärkte Gigs, Wohnzimmerkonzerte und Studioaufnahmen. Darüber hinaus sind die Produkte der Hamburger seit vielen Jahren in teils stark fordernden Umgebungen wie Kirchen oder Theaterhäusern etabliert.

Das lässt auch erahnen, an wen sich diese einlagigen Felle richten: Anspruchsvolle Fans eines wohlig-warmen Sounds kommen mit ihnen voll auf ihre Kosten. Wer eine sensible Ansprache und feine Nuancen von ppp bis ff schätzt, wird die Serie mit Ambassador-Stärke schnell ins Herz schließen. Außerdem sind die Heritages mit einer unbeschichteten, aufgerauten Oberfläche für das Besenspiel ausgestattet.

Dabei bestechen die Heritages durch ihre vielseitige Stimmbarkeit. Egal, ob hoch oder tief: Einmal gestimmt, bleibt der gewünschte Ton für einen verlässlich langen Zeitraum erhalten. Die Bedingungen einer Location sorgen so ebenfalls nicht mehr für Kopfzerbrechen. Standardmäßig liegt der Grundton der Heritages dabei fast eine Terz tiefer als bei anderen einlagigen Fellen. Das lässt sie zu einer exzellenten Wahl auch für Trommeln mit integriertem Stimm-System werden. Wer möchte, kann aufgrund der tonalen Fülle zudem auf eine Mikrofonierung verzichten.

Die Heritage sind trotz serieller Fertigung kein Modell von der Stange. Das zeigt ihre Optik, aber auch ihr Klangcharakter. Mein persönliches Highlight im Test war übrigens der Sound des 16“ Standtom-Heads. Dabei gefiel die Wärme ebenso wie die definierte Ansprache in sämtlichen Dynamiken. Diese Kombination konnte sich bei allen von mir getesteten Fellen durchsetzen. Ihr vollmundiger Charakter erinnert an den ersten Kaffee des Tages – optimale Stärke inklusive.

Was für viele außerdem interessant sein dürfte: Adoro bietet seine Schlagzeugfelle in Kalbsfell-Optik einerseits in allen gängigen Größen an. Andererseits fertigen die Hamburger gegen Aufpreis Sondermaße, etwa für die Dresdner-Trommel. Dieses dürfte nicht nur unter Vintage-Fans Anklang finden. Auch im klassischen Bereich ist das zu erwarten. Schließlich halten die Heritages das, was sie versprechen: weniger Attack bei einem Dampfkessel an Wärme.

Tierisch gute Schlagzeugfelle – für die leisen Töne
Gute Drumheads gibt es viele. Wer sich eine ausgefallene Optik wünscht, muss im Gegensatz dazu schon länger suchen. Mit Adoro lässt sich diese Suche erfreulich abkürzen. Die neu aufgelegten Heritages bleiben nämlich eine Schau: Mit ihrer feinen Oberflächenstruktur verströmen sie die Eleganz delikater Naturfelle. Gleichzeitig werden die einlagigen Felle dank ihr auch ein wenig lichtdurchlässig. Diese leichte Transparenz fällt sofort auf. Dabei sorgt die rückseitige, transparente Beschichtung für den warmen Grundcharakter der Felle. Die Obertöne sind aufgrund des Designs natürlich reduziert, während die Nachteile herkömmlicher Beschichtungen entfallen.

Zudem überzeugt, dass die Heritages einfach individualisiert werden können: Aufkleber und Aufdrucke lassen sich im Handumdrehen anbringen. Sollen sie im Laufe der Zeit ausgewechselt werden, ist das ebenfalls kein Problem. Eine rückstandslose Entfernung ist bei Bedarf in einem Rutsch möglich. Die Heritage-Felle sind folglich für den langfristigen Gebrauch ausgelegt. Das zeigt sich auch an ihrer Strapazierfähigkeit.

Fazit
Das Ziel der Neuauflage war, eine maximale Langlebigkeit bei optimaler Stimmbarkeit zu erreichen, ohne den warmen Klang zu opfern. Wer sich diese Eigenschaften wünscht, sollte die Adoro Heritage-Felle in jedem Fall selbst anspielen. Hier dürfen naturnahe Klangeigenschaften erwartet werden. Der Sound passt sich wie eine zweite Haut an die Umgebung an. Und natürlich: Auch das Auge hört mit, der einzigartigen Kalbsfell-Optik sei Dank.

› Manuela Holmer

Manuela Holmer

Manu Holmer ist professionelle Schlagzeugerin, Musiklehrkraft und Bloggerin. Seit 2013 unterstützt sie Rhythmusbegeisterte dabei, sich den Traum vom Musizieren einfach zu erfüllen. Mehr zu unserer Gastautorin unter: https://www.manuholmer.de/about/

www.manuholmer.de

Wir haben uns halt an diesen Look gewöhnt…

Aber einige Größen sind nicht so perfekt wie andere. Man nennt dies das „Middle-Tom-Syndrom“, da das mittlere Tom in der Regel das Problem ist. Und warum? Weil es klanglich nicht als mittleres Tom konzipiert wurde. Es wurde entwickelt, um lauter zu sein.

Verwirrt? Lass‘ mich das erklären…

Hatten Trommeln schon immer unterschiedliche Kessellängen? Nein.

In den frühen 1960er Jahren bestand ein typisches Schlagzeug aus einem High- und einem Low-Tom. Wenn es zwei High Toms gab, waren sie oft gleich groß (Keith Moon spielte drei, alle 12″ x 8″) oder hatten unterschiedliche Durchmesser, aber die gleiche Tiefe (10″ x 8″ und 12″ x 8″). Aber wenn Congas, Bongos, Timbales und Pauken unterschiedliche Durchmesser, aber die gleiche Tiefe haben, warum sind dann die kleineren Trommeln in einem Schlagzeug flacher und die größeren tiefer? Erzeugt ein tieferer Kessel einen tieferen Klang? Nein. Die Tiefe wird durch das Stimmen erreicht, oder wenn das Fell einer Trommel mit größerem Durchmesser genauso straff gespannt ist wie das einer kleineren Trommel. Stimmt man 10″- und 12″-Toms auf die gleiche Spannung, sorgt der größere Durchmesser der 12″-Trommel dafür, dass sie tiefer klingt als die 10″-Trommel (genau genommen in etwa eine Terz, was recht praktisch ist). Warum also tiefere Trommeln?

Tiefe? Die Lautstärke ist schuld

Als die Beatles 1962 auf den Plan traten, wurde der Rock ’n‘ Roll mehr Rock als Roll. Man nannte sie Beat Music (daher BEATLES). Ringo, dessen Kits bis 1964 aus 20″, 12″ und 14″ bestanden, wechselte zu 22″, 13″ und 16″ (1967 kam ein 12″ hinzu), um über den schreienden Fans gehört zu werden. Ende 1966, als The Who, Cream und Jimi Hendrix Experience mehrere 100-Watt-Marshall-Stacks aufdrehten, waren die Schlagzeuger überfordert.

Doch als Carmine Appice 1967 mit Vanilla Fudge auftauchte, galt auch für das Schlagzeug das Mantra „größer ist besser“. Sein vierteiliges Red Sparkle-Kit mit einem 26-Zoll-Bass und überdimensionalen Toms bestätigte, dass größer auch lauter bedeutet.

Als er später ein Ahornset mit 2 x 26-Zoll-Bassdrums vorstellte, wollten Schlagzeuger wie John Bonham dasselbe. Also entwarfen die Hersteller lautere Trommeln. Und wie? Größere Durchmesser, dickere Kessel, tiefere Größen. Statt eines 18″ oder 20″ x 14″ Kick mit 12″ x 8″ und 14″ x 14″ Toms wurden 22″, 13″ x 9″ und 16″ x 16″ zum Standard, wobei viele Rocker auf 24″ oder 26″ Basstrommeln (immer noch 14″ tief), 14″ oder 15″ Hi-Toms und 18″ Floor Toms umstiegen.

Inspiriert von Hal Blaines Studio-Kit spielte Appice dann ein Octa-Plus-Setup mit mehreren Toms, das acht Hi-Toms in den Größen 6″ bis 18″ umfasste, wobei mit jeder Vergrößerung des Durchmessers – einschließlich der „ungeraden“ Größen 13″ und 15″ – auch die Kessellänge zunahm. Hier zeigte sich das Konzept der aufsteigenden Toms – hohe Töne bis hin zu tiefen Tönen von Trommeln, deren Kessellänge immer weiter nach unten anstieg – besonders deutlich.

Zu viel Luft geschluckt

Eine tiefere Trommel ist nicht nur lauter, sondern sie klingt auch deutlich anders. Da die Luft, die das Innere der Trommel füllt (etwa 1,3 g pro Liter Kesselgröße), der Luftbewegung beim Anschlagen des Fells einen Widerstand entgegensetzt, ist ein tieferer Kessel (der noch mehr Luft enthält) weniger resonant, wodurch die Ansprache trockener und deutlich perkussiver wird als bei einem flacheren. Das bedeutet, dass bei 12″ x 8″, 12″ x 10″ und 12″ x 12″ Toms die 12″ x 8″ am resonantesten und klangvollsten ist, da ihre kürzere Kesselform den geringsten Luftwiderstand bietet. Daher ist es bei einem 12″ x 8″, 13″ x 10″ und 16″ x 16″ Setup schwieriger, das mittlere Tom so warm, klangvoll und resonant klingen zu lassen wie das kleinere. Das ist das Middle-Tom-Syndrom.

Dennoch schienen Multi-Tom-Setups mit Kesseln, die mit jeder größeren Fellgröße einen zusätzlichen Zoll oder mehr abfallen, legitim. Ähnlich wie bei den Röhren eines Vibraphons, die nach unten hin abfallen, gab es doch sicher einen musikalischen Grund für die zusätzliche Länge dieser Toms? Nein, wir haben uns geirrt: Die Vorstellung, dass eine zusätzliche Länge den Ton verschlechtert, ist ein Mythos. Sogar ich bin schuldig, denn die 12-Zoll-Toms, die ich herstelle, sind etwa einen Zoll tiefer als die 10-Zoll-Toms, einfach weil längere Toms irgendwie „richtig“ aussehen. Mit dem Aufkommen tieferer Basstrommeln, einige 20″ oder länger, glaubten die Schlagzeuger auch, dass sie tiefer klängen, obwohl das Gegenteil der Fall war.

Floor-Toms sind anders

Was ist nun mit den Floor Toms? Sie sind viel länger als hohe Toms, in der Regel mit einer Länge, die ihrem Durchmesser entspricht (14″ x 14″, 16″ x 16″), und wir erwarten, dass sie anders spielen, nicht wie eine tiefe hohe Tom. Aber wie anders? Im Gegensatz zu einem High Tom, das an einem Punkt aufgehängt ist (externe Halterung, Bajonettbefestigung oder Isolationsrand), steht ein Floor Tom auf Beinen, die die Resonanzschwingungen auf den Boden übertragen, wodurch das Sustain verringert und eine trockenere Ansprache erzeugt wird (was auch geschieht, wenn ein High Tom in einen Snare-Ständer gestellt wird). Schlagzeuger, die große montierte High Toms anstelle von Floor Toms verwenden, bemängeln oft, dass der Sound zu dröhnend ist und es ihm an Definition fehlt. Das liegt daran, dass diese Trommeln ohne Beine, die ihre Schwingungen dämpfen, stärker mit den tiefen Tönen mitschwingen, was dazu führt, dass die Anschlagdefinition „matschig“ wird. Die größere Länge der Floor Toms dient also nicht dazu, die Tonhöhe abzusenken, sondern dazu, die Lautstärke zu erhöhen und die Resonanz zu dämpfen, damit die Töne ihre Definition behalten.

Wenn man zwei Standtoms baut, damit sie klanglich in ein Setup passen, müssten sie die gleiche Tiefe haben (z. B. 16″ x 16″ und 18″ x 16″). Und tatsächlich war das auch in der Vergangenheit der Standard, in vielen alten Katalogen finden wir, dass die Floor Toms meist gleich tief gebaut wurden; erst in den Katalogen ab Ende der 60er wichen die Hersteller davon ab.

Die Zukunft ist akustisch

Das Optimum sollte sein, Trommeln zu bauen, die für sich genommen gut klingen und miteinander kompatibel sind. Einige Schlagzeughersteller bieten inzwischen verschiedene Durchmesser an, die sich in der Tiefe ähneln oder übereinstimmen. Das ist gut. Ich baue 8″- und 10″-Toms in der gleichen Tiefe, da das 8″-Tom bei einer Verkürzung im Vergleich zum Rest des Kits deutlich weniger laut wäre.

Es ist möglich, dass tiefere Trommeln ursprünglich beliebt waren, weil die Spieler große Größen und Lautstärke mit Männlichkeit und Rock ’n‘ Roll assoziierten. Aber machen wir uns nichts vor: Schlagzeuge müssen nicht mehr laut sein. Nicht nur die Bühnenlautstärke ist gesunken (20- und 30-Watt-Gitarrenverstärker haben die mächtigen Marshalls ersetzt), sondern auch die Mikrofone allgegenwärtig. Geringere Lautstärken auf der Bühne bedeuten einen besseren Sound für den Tontechniker vor der Bühne und für das Publikum, das es hören kann. Die zwanghafte Mikrofonierung des Schlagzeugs könnte der Vergangenheit angehören.

Die Realität

Die Auswirkungen von Covid auf die Live-Szene bedeuten, dass sich die Dinge nach der Pandemie für Monate, vielleicht sogar Jahre, ändern könnten. Bands sollten sich auf kleinere Veranstaltungsorte und vielleicht auf die Abschaffung der exzessiven Instrumentenmikrofonierung einstellen. Das bedeutet, dass sie die Kontrolle über den Bühnensound übernehmen müssen, vor allem, wenn dies alles ist, was das Publikum draußen hören wird. Genauso wie Gitarristen die Verstärkerleistung reduziert haben und sich jetzt auf den Klang konzentrieren, sollten Schlagzeuger vielleicht ein Schlagzeug spielen, das zum Auftritt passt. Es geht nicht mehr darum, laut zu sein, sondern um Dynamik, Klangqualität und eine ausgewogene Reaktion von Schlagzeug zu Schlagzeug.

Wie üblich konzentrieren sich die großen Marken auf das, was sich am besten verkauft (bzw was von den Geschäften bestellt wird), während die Boutique-Schlagzeugbauer die Trommeln wieder zu dem machen, was am besten klingt. Als unabhängiger Hersteller, der viele längere Power“-Kessel aus den 1980er und 90er Jahren kürzt, damit sie mehr Ton und Sustain haben, habe ich erlebt, dass viele Spieler überrascht waren, dass ihre neu gekürzten Trommeln zwar etwas weniger laut sind, dafür aber wesentlich besser klingen. Ich versichere also, dass kürzere Kessel nichts sind, wovor man sich fürchten muss. Längere Toms mögen in den MTV-Videos der 1980er Jahre cool ausgesehen haben, aber rückblickend könnte man sagen, dass es sich lediglich um Bühnenrequisiten handelte.

Die MTV-80er Jahre sind nun 40 Jahre her: Schlagzeuge müssen nicht mehr lang und laut sein. Es besteht kein Bedarf an lauten Kesseln. Es ist an der Zeit, dass ein Schlagzeug nicht nur akustisch gut klingt, sondern auch in Bezug auf Lautstärke, Klang und Sustain innerhalb eines Sets ausgewogen klingt, auch wenn es nicht mikrofoniert ist. Und das beginnt mit kürzeren Kesseln und der Vermeidung des „Middle-Tom-Syndroms“.

Sei klug: Wähle mit deinen Ohren, nicht mit deinen Augen.

EDIT: Ein Leser fragte, wo ich als Trommelbauer tätig bin. Ich dachte, das sei offensichtlich, aber da der Artikel auch außerhalb dieses Blogs geteilt wird, werde ich auch hier meine Firma nennen: adoro-drums.com ist ein deutscher Schlagzeughersteller, der sich auf akustische Schlagzeuge spezialisiert hat. Und ich schreibe Artikel wie diesen, weil die meisten Schlagzeuger nicht wissen, dass die meisten Trommeln _nicht_ für akustische Zwecke gebaut werden, sondern für Lautstärke. Und ja, ich verstehe es, große und laute Trommeln ziehen Schlagzeuger magisch an. Aber das Richtige zu tun, ist sehr erklärungsbedürftig…

Vor kurzem haben wir die Silent Sticks entwickelt, die das Schlagzeug weniger laut machen. In der Werbung sagen wir 80%, aber in Wirklichkeit sind es 800% oder bis zu 8 Mal weniger laut als normale Sticks. Bei solchen Sticks ist ein kleineres, vernünftigeres Schlagzeug ein großes Plus für einen tollen Sound. In Kombination mit unserer Worship-Serie beträgt der Lautstärkeunterschied bis zu 20 dB! Wenn also jemand fragt, ob man weniger laut trommeln und trotzdem gut klingen kann, lautet die Antwort: Ja… das ist unser Hauptfachgebiet!

Stefan Korth

Stefan ist Schlagzeugbauer und Unternehmer. Mit seinen „leisen Schlagzeugen“ hat er einen eigenen Ansatz an das Trommelbauen: er hat sich auf den Bau von Schlagzeugen spezialisiert, die tatsächlich akustisch gespielt werden. Passend dazu schuf und vertreibt er sehr erfolgreich die Silent Sticks, Trommelstöcke, die 80% leiser sind, sowie Heritage Heads, Attack-reduzierte Schlagzeugfelle für den akustischen Einsatz. Er ist verheiratet, hat 5 Kinder, und lebt mit seiner Familie in Hamburg.

Hier unsere 7 Top Tipps, um die Lautstärke in den Griff zu bekommen, aber nicht einfach nur durch stumpfes Abkleben mit Taschentüchern oder ähnlich kontraproduktive Aktionen, die den Sound deiner Drums vermiesen. Denn eines sei vorangestellt: ein gut klingendes Schlagzeug ist per Definition leiser als ein schlecht (laut) klingendes! Alle Aktionen, die wir unternehmen, um das Schlagzeug leiser zu machen, müssen daher immer auch den Klang verbessern, was leider nicht immer so einfach ist. Aber das Ergebniss kann sich sehen, bzw hören lassen.

Für wen dieser Atikel ist: Drummer, die regelmäßig leise spielen müssen, zb kleine Clubgigs, bei den Proben, in Kirchen etc.
Für wen der Artikel NICHT ist: für Drummer, die extrem leise üben möchten, ohne ihren Spielstil zu ändern, und dafür bereit sind, auf Sound komplett zu verzichten.

Prelude: Es gibt schon unzählige Tutorials, wie man Schlagzeuge leiser bekommt. Dafür gibt es Übungspads, Neoprenbezüge für Becken, Überzüge aus Gummi für Sticks, mies klingende aber leise Low-Volume Becken erstaunlich prominenter Markenhersteller etc. Eines haben diese Lösungen aber alle gemeinsam: sie verschlechtern zunächst einmal massiv den Klang, und sind somit kein Mittel, um z.B. bei Konzerten die Schlagzeuglautstärke in den Griff zu bekommen. Hier würden schon wenige dB leiser einen sehr großen Unterschied machen – alle 3dB verdoppelt sich die benötigte Energie; um also ein Schlagzeug zu übertönen, muss für jede 3dB die Musikanlage doppelt so viel Leistung haben. Oft ist es ein Kampf zwischen dem Bühnensound – dominiert vom Schlagzeug – und der PA, und meist kann man erst, wenn die PA übertönt wurde, einen guten Sound im Raum erzielen. Bei normalen Konzerten ist es üblich, dass die Anlage daher so viel Power hat, dass die Bühne mühelos übertönt werden kann. Bei kleineren Gigs – und solche dürften in Zeiten von Corona und auch lange danach wohl noch eher der Standart sein  – wird nun die Bühnenlautstärke das größte Problem. Wir können es uns nicht leisten, auf der Bühne schlecht zu klingen, wenn der Bühnensound dominiert.

Der Kampf gegen das akustische Schlagzeug ist das tägliche Brot des Tontechnikers; Drummern ist oft nicht bewusst, dass ihr Instrument eigentlich kein wirklich akustisches ist- es klingt erst abgenommen ausgewogen und angenehm. Ohne Abnahme dominieren Snare und Becken, und ohne Nahbesprechungseffekt klingen die Drums dünn und – laut. Würden Drums besser – ausgewogener – klingen, wie etwa ein Klavier, wäre eine Verstärkung nur notwendig, um es lauter zu machen- nicht leiser! Tatsächlich wird aber die Verstärkung genutzt, um i.d.R. Drums besser klingen zu lassen – und somit weniger laut. Das setzt aber natürlich eine leistungsstarke PA voraus. Aber es geht auch anders…

1. Tipp: Sticks

2. Tipp: Heads

3. Tipp: Tuning – Stimmen

4. Tipp: richtiges Dämpfen

5. Tipp: Weapon of choice – die richtigen Drums

6. Tipp: die richtigen Cymbals

7. Tipp: Room Treatment – Schallabsorber etc.

1. Tipp: Sticks
(Aufwand: sehr gering; Kosten: niedrig)

Wir fangen bei den Stöcken an. Wer leise spielen soll/will, sollte sich zuerst mal leichteren Stöcken oder Alternativen zuwenden. Es sollte klar sein, dass Sticks Marke Baseballschläger nicht sonderlich zum leisen Spiel geeignet sind. Hier mögen manche Technik-Freaks einwenden, dass es nur auf die richtige Technik ankommt – ja, das mag sein, aber ein schwerer Stock wird auch immer mehr Velocity aufbauen, man spielt automatisch lauter, und holt weiter aus beim Spielen. Im Gegenzug werden die Bewegungen beim Spiel mit leichteren Sticks meist deutlich kleiner, da die Sticks weniger stark zurückprallen, und somit bei gleicher Kraft gespielt weit weniger weit geworfen werden. Unsere Bewegungen werden daher mit leichten Stöcken fast automatisch kleiner, passen sich den Stöcken an.

Alternativen zu den normalen Sticks können zb. der sehr leichte ProMark JazzCafe MJZ11 (leider inzwischen nicht mehr verfügbar…) oder Rohema Tango Hornbeam sein. Mit diesen Sticks erhält man immer noch einen angenehmen Klang auf den Becken und Toms.

Sind diese Sticks noch zu laut, greift man meist zu gebündelten Stäbchen namens Hot Rods, die leider aber meist kaum leiser als normale Sticks sind, und dabei noch einen recht eigenen Klang haben. Eine löbliche Ausnahme hier ist der Beech Soft Rod mit Kautschuk Kern, der tatsächlich erstaunlich leise für Rods ist.

Wirklich richtig leise – und wir sprechen hier von bis zu 80% leiser als Sticks und Rods – sind Adoros Silent Sticks, zu denen wir hier im Blog auch schon einen Testbericht gepostet haben. Diese Sticks alleine würden schon rechtfertigen, diesen Artikel hier als erfolgreich gemastert abzuschliessen. Ehrlich, wenn ihr diese Sticks noch nicht kennt, und ab und an leise spielen wollt, schaut sie euch an, und legt euch ein paar zu, denn noch einfacher kann man nicht, ohne riesigem Aufwand, von normal auf leise umschalten! Und wer sie schon kennt, teste ggf mal die neuen Silent-E-Sticks, eigentlich für e-drums gedacht, mit fetterem Soft-Grip, und einem weicherem Tip, klingt dieser sogar noch etwas leiser als die originalen Silent Sticks, was ich schon gar nicht für möglich hielt. Diese Sticks sind zudem auch sehr gut geeignet, um als Percussionist mal Handpercussions wie Bongos oder Conga, Tabla etc mit Sticks zu spielen, ohne die Felle zu ruinieren.

Natürlich gehören in dein Arsenal dazu auch noch Alternativen wie Besen und Fellschlägel.

Es ging aber ja darum, den Klang beim leise Spielen zu erhalten oder gar zu verbessern. Daher gehen wir nun noch etwas weiter. Die Sorge, welche viele Drummer haben, ist, dass sie fürchten, nicht mehr gut zu klingen, wenn sie leiser spielen. Dem kann man mit diesem und den folgenden Tipps helfen – es ist nämlich gar nicht nötig, laut zu spielen, um gut zu klingen! Im Gegenteil, oft wird sich dein Sound sogar verbessern, wenn du leiser spielst, vorausgesetzt, du berücksichtigst die folgenden Tipps. Angefangen mit:

2. Tipp: Heads – die richtigen Felle
(Aufwand: gering; Kosten: mittel)

Eine einfache Fausregel ist, dass, je dicker das Fell ist, desto mehr Energie benötige ich, um es zum Klingen zu bringen. Wurden dicke doppellagige Felle eigentlich erfunden, um dem brachialen Spielstil mancher Drummer zu trotzen, sind sie heute oft die Ausrede für anhaltend lautes Spiel – sie klingen meist leise gespielt nicht so gut. Also, wer leise(r) spielen will, sollte abstand von allen doppellagigen Schlagfellen nehmen, und sich eher einlagige, beschichtete Felle wie das Ambassador Coated von Remo, oder gar das Diplomat Fell, auswählen. Von Adoro, den Fachleuten, wenn es um leise Drums geht, gibt es sogar ein spezielles Heritage Fell, ein Ambassador-dünnes Fiber-Fell mit patentierter Fasermischung, die dem Fell nicht nur ein harmonisches Obertonspektrum verpasst, sondern auch den Attack deutlich reduziert, wie bei einem echten Naturfell, nur deutlich weniger zickig 🙂 Zudem ist das Heritage Fell noch etwa eine Terz tiefer bei gleicher Spannung wie ein gleichdickes normales Fell, was die Stimmung deutlich leichter von Hand gehen lässt und den Stimmbereich drastisch nach unten erweitert. Fetter Sound garantiert!

3. Tipp: Tuning – die richtige Stimmung
(Aufwand: gering; Kosten: niedrig)

Diese Felle haben zudem einen höheren Stimmumpfang, und lassen sich tiefer als doppellagige Felle stimmen. Zwar klingen doppellagige Felle dumpfer, wegen der immensen Reibungsverluste durch ihre zwei Lagen – aber die Grundstimmung der Felle ist meist deutlich höher als bei einlagigen Fellen. Dies ist wichtig zu wissen, vor allem wenn man leise spielen will. Denn hier gilt: so tief stimmen wie möglich. Zu diesem Thema verlinke ich gerne nochmal auf unseren Workshop „Warme Stimmung, was ist es und warum will ich es„. Ich will es hier nur kurz zusammenfassen, wür mehr Details lest bitte dort nach: Warme Stimmung bedeutet, dass das Schlagfell tiefer als das Resonanzfell gestimmt wird; dadurch wird ein angenehm warmer Ton erzeugt, da die Felle durch Obertöne eine Oktave unter dem Grundton angereichert werden – auf Deutsch: es klingt fett. Als Faustregel kann man sagen: zieh die Schlag- und Resonanzfelle reihum handfest an – ohne Stimmschlüssel. Das gibt dir den tiefst stimmbaren Ton (achte darauf, dass keine Falten entstehen; lassen diese sich nicht vermeiden, check, ob der Kessel plan ist… dazu später noch mal mehr!); auf der Reso-Seite einfach nun an jeder Schraube ca. eine halbe Umdrehung höher stimmen, damit kommt man in den warmen Bereich, und landet in etwa bei einer Terz über dem Schlagfell-Ton. Da die Kessel ja unterschiedliche Durchmesser haben, sind diese meist bei in etwa gleicher Spannung auch untereinander etwa eine Terz auseinander, sehr praktisch.

Beim Stimmen am besten mit deinem leichtesten Stick anspielen, das offenbart Ungenauigkeiten in der Stimmung. Pauschal kann man sagen, dass verstimmte Kessel lauter gespielt besser klingen als leise, also gib dir Mühe beim Stimmen, ggf mal ein Buch dazu kaufen, wie zB. den Drum Tuning Klassiker von Nils Schröder, sehr zu empfehlen.

4. Tipp: richtiges Dämpfen
(Aufwand: sehr gering; Kosten: sehr niedrig)

Das Abkleben der Felle als Mittel der Wahl zum Lautstärkereduzieren kann arg nach Hinten los gehen. Es ist okay, wenn einem die Kessel noch zu viel Obertöne haben, etwas mit Gaffa oder einem Moongel abzudämpfen (besser noch, ein halber Moongel), aber das Aufkleben von Taschentüchern, am Besten noch in der Mitte der Felle, tötet jeglichen angenehmen Ton. Wenn die Drums damit besser klingen, klangen sie wahrscheinlich vorher richtig mies, dann bitte wieder von Vorne anfangen… 🙂

Also, Finger weg von zu viel Dämpfmaterial, sowohl bei den Toms/Floortoms, als auch bei der Kick und Snare. Denn unser Ziel ist ja nicht, den Sound der 70er auferstehen zu lassen (hallo Pappkarton!), sondern die Drums im Klang so zu verbessern, dass sie weniger laut – also leiser – sind!

Letztlich reduzieren wir mit dem Dämpfen den Ton, und machen damit den Attack umso lauter, was subjektiv die Drums wieder lauter macht. Haben die Instrumente hingegen einen komplexen Sound mit ausreichend Obertönen, fügen sie sich meist in der Musik besser ein und wirken weniger laut. Hier ist also weniger wirklich weniger, nämlich weniger laut!

5. Tipp: Weapon of choice – die richtigen Drums
(Aufwand: gering; Kosten: sehr unterschiedlich)

Diesen Tipp kann man schon fast als Geheimtipp durchgehen lassen, denn jetzt kommt etwas, das kaum einer weiss: Schlagzeuge sind nicht zufällig ziemlich laut, und sie waren es auch nicht schon immer! Noch in den 40er und 50er Jahren waren Drum Sets in sich abgestimmte Musikinstrumente, welche, meist dank angenehm warm klingender Kalbsfelle, in Räumen gespielt ohne Verstärkung grandios klangen. Anders als viele Drummer glauben, hatten diese Sets auch meist eine eher kleine Bass Drum – üblich waren 18 und 20″ – und kleinere Snare Drums – zwischen 10-12″, manchmal auch 14er Pancake Snares. Die moderne Rock Snare mit 14″ war eigentlich eher aus dem Marching Bereich entlehnt, zum einen, weil Trommeln in den 50er und 60ern unheimlich teuer waren, und man gebraucht sehr gut an Marching Equipment kam – dann aber auch, weil sie so viel lauter waren, was mit der Marschallisierung der Bühnen (siehe diesen Beitrag…) ein angenehmer Nebeneffekt war. Die 60er und 70er sahen nicht nur durch die Popularität der Beatles einen Boom an Schlagzeugen, sie veränderten auch nachhaltig die Konstruktion von Schlagzeugen – gelobt war, was laut macht. Leider wurde das Drumset dadurch nicht nur wesentlich lauter, sondern auch unausgewogener im Klang -vor allem die Snare, aber auch die Becken, sind heute meist um bis zu 10dB lauter als das restliche Set, wodurch eine Mikrofonierung zur Nachjustierung dieser eklatanten Ungleichheit quasi der Status Quo wurden – Schlagzeuge werden per se immer abgenommen und verstärkt. Daher kann man gut behaupten, dass das normale, akustische Schlagzeug eigentlich ein semi-akustisches Instrument ist. Die Hersteller verlassen sich nicht nur bei den Lautstärkeverhältnissen auf die Technik, auch beim Klang profitieren sie vom Nahbesprechungseffekt, einer Kombination aus Kompression und Bass- und Tiefe-Mitten-Boost. Kein Wunder, dass unverstärkte Drums lauter klingen als abgenommene, ihnen fehlt, auch ohne equilizing, die Wärme und Ausgewogenheit im Klang.

Mit diesem Wissen dürfte einleuchten, dass es ggf auch Drums gibt, die nicht auf Lautstärke getrimmt wurden. Wer hier aber nicht auf – meist sehr teure und zudem rare – Drum Sets aus den 50ern oder 60ern zurückgreifen will, muss schon ganz schön suchen – oder auch nicht, denn zum Glück hat auch Adoro hier wieder was auf Lager mit ihren Worship Drums, die quasi das Erbe der wirklich akustischen Sets fortsetzen, mit modernen, leicht zu stimmenden Drum Sets.

Was, wenn man keine zweieinhalb Mille hat, um so ein Set zu kaufen? Pauschal kann man raten: nimm Drums mit 1-2 Nummern kleineren Kesseln, und wenn möglich, mit dünnen, kurzen Kesseln. Also eher die 10er als die 12er Tom, die 14 anstelle der 16er FT, und eine 18er oder 20er anstelle der 22er Kick. Zudem, eine leisere Snare – bitte keinen Stahlkessel oder ähnlich infernal lautes. Sollte man keine kleinere Holzsnare sein eigen nennen, kann man mit etwas eingelegtem Schaumstoff im Stahlkessel diese einigermaßen in Zaum legen – am Besten so plazieren, dass die Felle nicht berührt werden.

6. Tipp: die richtigen Cymbals

Das Gegenteil gilt für die Becken: wer intuitiv kleinere Becken für leiseres Spiel nehmen will, wird schnell feststellen, dass diese meist wesentlich lauter sind. Bei den Becken gilt: große, dunkle und warm klingende Becken hellen, schrillen Becken vorziehen! Also lieber eine 15er oder 16er Hihat, 18er oder 20er Crashes, 22 ode 24″ Rides. Da die Lautstärke bei den Becken zusammen hängt mit deren Dicke, Profil und Beschaffenheit, kann man mit dünneren, flachprofiligen Becken wesentlich dunkler und angenehmer klingen, und eine unbearbeitete Oberfläche kommt dabei meist noch mit einem sehr kurzen Decay entgegen. Hier empfehle ich Dream Bliss oder Vintage Bliss Becken, als Ride gerne ein 24er Small Bell Flat Earth oder das 22er Dark Matter Flat Ride.

7. Tipp: Room Treatment – Schallabsorber & co

Und was ist mit üblichen Leisemachern wie Acrylwänden und co? Am Besten Finger weg! Ist teuer, und macht den Klang eher schlechter als leiser. Aber man kann dennoch was machen, und zwar am Raum und an der Positionierung. Achte darauf, dass die Drums im Raum so stehen, dass sie nicht durch die vorherrschende Akustik noch lauter gemacht werden. Einfach mal Kick und Snare in verschiedenen Bereichen des Raumes anspielen und schauen, wo sie lauter werden, und wo leiser. Ein Hinweis gibt dir die Raumbeschaffenheit. Am Besten nimmst du eh einen dicken Teppich für dein Drum Set, das schluckt viele Reflexionen. Das Set sollte auch nicht zu nah an eine Wand oder gar in die Ecke gestellt werden. Sind die Wände nackt, refelktieren sie sehr stark. Hier können Schallabsorber helfen. Dafür muss man nicht unbedingt viel Geld ausgeben, alles, was Schall schluckt, ist willkommen. Hinter dem Schlagzeug sollte ein dicker Vorhang hängen, der schluckt meist schon ganz gehörig vor allem hohe Frequenzen der Snare und der Becken. Molton, aber auch Filzdecken etc. eignen sich dafür sehr gut. Und wenn schon die Kirche eine Acrylwand angeschafft hat, bau sie nicht vor, sondern hinter dem Drum Set auf, behänge sie mit dicken Decken, und bau so deinen eigenen Absorber.

Mit diesen Maßnahmen kann dein Schlagzeug nicht nur bis zu 15dB leiser werden, es wird auch wesentlich besser klingen, wenn es leise gespielt wird.  Und gerade mit den Silent Sticks von Adoro erhältst du so ein Instrument, das nahezu so leise gespielt werden kann wie sonst nur Cajon.

Ich freue mich auch euer Feedback!

Stefan Korth

Stefan ist Schlagzeugbauer und Unternehmer. Mit seinen „leisen Schlagzeugen“ hat er einen eigenen Ansatz an das Trommelbauen: er hat sich auf den Bau von Schlagzeugen spezialisiert, die tatsächlich akustisch gespielt werden. Passend dazu schuf und vertreibt er sehr erfolgreich die Silent Sticks, Trommelstöcke, die 80% leiser sind, sowie Heritage Heads, Attack-reduzierte Schlagzeugfelle für den akustischen Einsatz. Er ist verheiratet, hat 5 Kinder, und lebt mit seiner Familie in Hamburg.

Warme Stimmung bezeichet, wenn man eine Trommel am Reso-Fell ca. eine Terz höher stimmt als das Schlagfell, und dadurch Obertöne eine Oktave unter dem Grundton erhält.

Alles Phett, oder was?!

Viele Drummer wollen, dass ihre Drums schön „phett“ und warm klingen. Ihre Lösung lautet daher, alle Felle so tief wie möglich zu stimmen. Kann schon nicht verkehrt sein, oder? Immerhin wird diese Art zu stimmen auch in diversen Online-Drum-Tutorials gelehrt, welche millionen von Views haben, wird also schon nicht verkehrt sein?!

Please. Don’t.

Ich möchte hier einen besseren Weg aufzeigen, wie man mit der richtigen Stimmung wirklich einen phetten, warmen Sound hin bekommt.

Es gibt nur drei Möglichkeiten, eine Trommel (mit zwei Fellen bestückt) zu stimmen:

1. resonante Stimmung: Schlagfell und Resonanzfell auf die selbe Tonhöhe gestimmt
(warum das keine gute Idee ist, dazu gleich)

2. flache Stimmung: Schlagfell höher gestimmt als das Resonanzfell.
(Dies resultiert in einem relativ hohen und zu dünnen Klang für unseren anvisierten Sound, darum gehen wir nicht weiter drauf ein)

3. warme Stimmung: Resonanzfell höher gestimmt als das Schlagfell.

Die meisten Drummer tendieren sicherlich zur resonanten Stimmung; es ist wohl die populärste Art zu stimmen. Aber sie hat Nachteile:

• Beide Felle auf die gleiche Stimmung zu bringen verlängert das Sustain der Trommel, oft unkontrollierbar. Um es zu verkürzen, muss man entweder die Felle in sich oder gegeneinander (flache/warme Stimmung) verstimmen, oder Werkzeuge verwenden:
• Das Abdämpfen der Trommel mit Moongel oder anderem Zeugs gibt dir wieder Kontrolle über das Sustain bei resonanter Stimmung, aber es verstärkt auch den Attack, welchen wir eigentlich nicht möchten (bei einem warmen, vollen Ton), und es dämpft nicht nur die Obertöne ab, sondern auch den Ton, den wir eigentlich hören wollen. Im Resultat klingt die Trommel dumpfer und leblos.
• Dumpf klingende Drums mögen live gut funktionieren, und tatsächlich klingen solche Drums oft, wenn verstärkt und mit Nahbesprechungseffekt versehen, imposant. Aber bei normaler Lautstärke wiedergegeben fällt auf, dass die Drums immer noch dumpf und leblos klingen. Lautstärke und Nahbesprechungseffekt mögen uns live die Illusion eines guten Schlagzeugsounds geben. Das erklärt allerdings auch, warum Live-Aufnahmen oft so sehr unterschiedlich von Studioaufnahmen klingen, selbst, wenn die Performance perfekt ist. Darunter leidet die komplette, sonst vielleicht perfekte Aufnahme – der Drum Sound hat nun einmal einen großen Anteil am Gesamtsound.
• Der größte Nachteil ist allerdings, dass die Drums nicht wirklich so warm und tief klingen, wie es ihnen technisch möglich wäre, denn wenn wir resonant stimmen, und wirklich tief, erleben wir, dass der Bass sich durch Phasenverschiebungen gegenseitig auslöscht durch asynchron schwingende gleichgestimmte Felle. Mikrofoniert bzw von Nahem mag das nicht auffallen, aber schon wenige Schritte entfernt fällt auf, dass die Drums zunehmend dünner und lärmiger klingen, anders als eigentlich erwartet. Dies resultiert in Problemen bei Übersprechungen auf andere Mikrofone bzw. den Bühnensound. Das ist so häufig der Fall heutzutage, dass man Drums fast schon reflexmäßig hinter Acrylwände, Soundkabinen oder gleich in seperate Räume steckt, die klanglich vom restlichen Studio entkoppelt sind, um Einsprechen (bleedings) in andere Mikrofone zu verhindern. Live erhält man mit Drums nur einen wirklich fetten Sound, wenn man den akustischen Klang der Drums übertönt…

Also, mal sehen, was wir mit der warmen Stimmung erreichen können….

Die warme Stimmung erhält ihren Namen von dem Effekt, welchen man erhält, wenn man das Resonanzfell deutlich höher als das Schlagfell stimmt, und zwar in etwa eine Terz höher. Je mehr man sich an diesen Wert annähert, desto mehr „Low End“, tiefen Bass, erhält der Sound, daher der Name: Warme Stimmung.

Was genau passiert hier? Wie schon erwähnt, versuchen die meisten Drummer intuitiv, einen tiefen Drum Sound allein durch tiefes Stimmen aller Felle zu erreichen, das resultiert aber in einem eher flachen, dünnen Sound (s.o.). Normalerweise werden nun die Felle noch zusätzlich abgedämft, um nun das unkontrollierte Sustain und die Obertöne kontrolliert zu bekommen, und somit die Ilusion eines tieferen Klanges (tatsächlich bedeutet eine Reduktion der Obertöne aber lediglich weniger Obertöne, nicht einen tieferen Ton als vorher; wir empfinden es lediglich subjektiv als tiefer). Wenn wir warm stimmen, nutzen wir die Gesetze der Physik für uns: die meisten von uns wissen sicher, was ein Power-Chord auf der Gitarre ist. Das ist ein Grundton, zusammen gespielt mit der Quinte; die daraus resultierenden harmonischen Obertöne entsprechen denen einer Oktave unter dem Grundton: man spielt zwei Töne, hört aber drei.

Diese Funktion machen wir uns zu Nutze. Da allerdings eine Trommel mit zwei Fellen, mit einer Röhre verbunden (dem Kessel) das Schwingungsverhalten der Felle stark gegenseitig beeinflusst, stimmen wir hier nicht auf die Quinte, der gewünschte Effekt kommt bereits bei etwa einer Terz. Wie sich das ganze genau physikalisch verhält, kann sicher Nils Schröder, auch Gastautor hier, weitaus eloquenter als ich erleutern, daher will ich es bei dieser laienhaften Erklärung bewenden lassen, und hoffe, dass ihr mir hier einfach glaubt und es selber ausprobiert…

Ein Beispiel:

Stellen wir uns vor, wir würden eine Floortom exemplarisch auf 100Hz stimmen, und das Resonanzfell entsprechend auf 130Hz (Terz). Die aus dieser Kombination resultierende harmonische Obertonreihe liegt bei 50Hz, die Oktave zum Grundton, was der Trommel eine Menge Low End gibt. Speziell kleine Drums klingen so riesig und ziemlich großartig. Mit der resonanten Stimmung wird man kaum so tief stimmen können.

Aber was passiert, wenn man die Drums abnimmt und verstärkt oder aufzeichnet?

Bei Nahabnahme der Trommel würde man, im Beispiel der Floortom, nur die 100hz abnehmen und, dank Nahbesprechungseffekt, einen netten Boost der Bässe und tieferen Mitten erhalten, ähnlich wie bei der resonanten Stimmung. Das ist, was die meisten Tontechniker live haben wollen. Aber die Trommel produziert ja nun noch Obertöne bei 50Hz, welche man erst einige Dezimeter entfernt von der Trommel, also jenseits des Nahbesprechungseffekt, abgreifen kann. Dein Set klingt nun nicht nur bei den Aufnahmen fett, sondern auch schon live auf der Bühne oder im (Studio)Raum; plötzlich sind Übersprechungen auf anderen Mikrofonen kein Problem mehr, sie geben dem SOund mehr Fülle und lassen die Drums authentischer und komplexer, lebhafter und balancierter klingen. Darum verwenden gute Tontechniker im Studio meistens Raummikrofone für die Abnahme der Drums, und die Close Mikes nur noch zur Kontrolle und gelegentlichem Nachjustieren.

Zu wenige Drummer wissen über die Physik der Trommeln, und versuchen, den tiefen Sound durch möglichst tiefes Stimmen möglichst großer Trommeln zu erreichen. Die warme Stimmung funktioniert allerdings bei kleineren Drums umso besser. Perfekte Größen für diese Stimmung sind 8-14″ für die Toms. Man kann auch die warme Stimmung bei der Bass Drum verwenden, aber wenn man sie ncht abnimmt, kann man auch versuchen, mit dem Resonanzfell die Frequenz einer Raumnode zu treffen (eine Frequenz, welche den Raum besonders laut resnieren lässt), falls sie nicht laut genug ist. Aber darauf kommen wir gerne in einem andere Workshop zurück.

Je größer die Trommel, desto mehr Attack erhält man, und es wällt uns schwerer, die tonalen Unterschiede zwischen ihnen zu hören; große, tief gestimmte Toms klingen irgendwie alle gleich, dank dem dominanten Attack.

Wie sollte man die Drums nun am besten mikrofonieren?

Wenn ein Drum Set gut klingt, akustisch, unverstärkt, wird das Mikrofonieren denkbar einfach: vergiss alles, was du über das Mikrofonieren von Drums gelernt hast, und stell dir einfach vor, du nimmst ein beliebiges akustisches Instrument ab, deren Klang so naturgetreu wie möglich abgenommen werden soll. Ein einzelnes Kondensatormikrofon auf der Position des zweiten Tom, auf Bass Drum und Snare ausgerichtet (Schmutzmikro) mag schon ausreichen, um das komplette Drum Set gut balanciert für eine Live Performance abzunehmen. Es lohnt sich, das Schlagzeug für diese Abnahme zu optimieren, vor allem, wenn man viel akustisch und wenig verstärkt spielt. Overheads, wie oft verwendet, würden wegen ihrer Nähe an den Becken diese meist deutlich zu laut abnehmen.

Mikrofoniert man andere akustische Instrumente, gilt die Regel, dass man möglichst 20-30cm vom Instrument entfernt abnehmen sollte, da man sonst riskiert, den Klang der Aufnahme zu sehr zu verfälschen. Beim Drum Set ist meist genau das, was wir wollen, aber nur, wenn wir es mit semi-akustischen Drums zu tun haben (Stage Drums). Wir nutzen den Nahbesprechungseffekt, um die akustisch eher dünn klingenden Drums mit einem Bass Boost zu versehen. Aber nun haben wir dem Drum Sound eine Oktave unter unserem Grundsound hinzugefügt; um diesen Bass mit bei der Abnahme zu haben, müssen wir umdenken und die Drums wieder wie ein richtiges akustisches Instrument behandeln!

Akusische VS Semiakustische Instrumente

Instrumente, welche wir nah, oder sogar innen mikrofonieren, sind semiakustisch. Der Klang, den wir durch Nahmikrofonierung bekommen, unterscheidet sich stark vom akustischen Klang des Instruments. Glaube mir, jeder Instrumentenbauer, der sehr viel Zeit und Arbeit in den Bau eines akustischen Instrumentes gesteckt hat, wird wenig begeistert sein über die Aussicht, dieses intern mikrofoniert zu sehen. Denn dies macht jedes akustische Instrument zu einem semiakustischen, und verfremdet den Klang drastisch.

In diesem Sinne haben wir meist unsere Drums falsch abgenommen, bzw wir behandeln sie wie semiakustische Instrumente. Und tastächllich gehen heute die Hersteller von Drums generell davon aus, dass diese eben so mikrofoniert werden. Das mag okay sein, wenn wir Drummer bei AC/DC sind mit entsprechendem Bühnensound, und generell immer so laut spielen können, wie wir wollen. Aber wir hatten einen langen Weg seit den 70ern; wir haben heute kleinere Gitarren- und Bass Amps, Ampsimulatoren, In-Ear-Monitorsysteme, und oft sind die Drums das einzige Instrument, das noch auf der ansonsten stillen Bühne zu hören ist. So, wie wir bisher „für das Mikrofon“ gestimmt haben, ignoriert den Fakt, dass unser Instrument in erster Linie ein akustisches ist, und dass wir uns in einem Raum befinden, auf den man sich akustisch einstellen und ggf auch stimmen muss. Drums wurden als semi akustische Instrumente behandelt, und nicht lediglich lauter gemacht oder abgenommen.

Wenn wir nun eine leisere Bühne haben wollen für einen besseren Sound bei den Veranstaltungen, müssen wir die Drums nicht abkleben und möglichst leise machen; wir müssen lediglich realisieren, dass die Drums in einem Raum gespielt werden, welchen wir in unsere Kalkulation mit einbeziehen müssen. Das Schlagzeug auf eine Art zu stimmen, dass es voll und warm im Raum klingt macht die Mikrofonabnahme optional. Das bedeutet es, sein Schlagzeug tatsächlich wie ein akustisches Instrument zu behandeln.

Der nächste Schritt ist, sich Becken raus zu suchen, die klanglich passen. Leiser bedeutet hier größer, dunkler im Sound. Und wo wir schon dabei sind, habe ich schon erwähnt, dass sich kleine Drums (sofern nicht billig/schlecht verarbeitet) sehr gut für die warme Stimmung eignen? Generell haben akustische Instrumente eine relativ geringe Toleranz, was ihre baulichen Dimensionen angeht. Bestimmte Maße funktionieren nun einmal besser für den anvisierten Sound als andere, und manche Maße machen es nahezu unmöglich, den erwünschten Sound akustisch zu realisieren. Wir sind es aber gewohnt, dies mit Mikrofonen und Technik zu kompensieren, und erheben groß dimensionierte Schlagzeuge auf einen Olymp, wir müssen wieder realisieren, dass, wenn wir akustisch spielen, kleine Maße besser funktionieren. Warum?

Stimmen wir große Drums tiefer, mögen wir vielleicht eine Terz tiefer kommen als mit einem kleineren Drum Set, aber dank der warmen Stimmung haben wir ja bereits dem Sound eine tiefere Oktave hinzugefügt; auf kleineren Drum Sets bekommen wir einen klareren, definierteren Sound auch in der unteren Oktave. Gehen wir stimmtechnisch nun deutlich tiefer, verlieren wir diese leider wieder – der Sound wird weniger definiert, matschiger, und unsere Oktave wandert in den für menschliche Ohren nicht mehr wahrnehmbaren Bereich.

Speziell bei kleinen Drum Sets wird die Warme Stimmung ein Lächeln auf das Gesicht deiner Bandmitglieder und deines Publikums zaubern. Und dein Tontechniker wird es lieben, dass dein Sound nun weit weniger Geschraube erfordert…

Ein warm gestimmtes Kinderschlagzeug (6/8/10″ TT, 12″ FT, 10″ SD, 16″ BD)

Stefan Korth

Stefan ist Schlagzeugbauer und Unternehmer. Mit seinen „leisen Schlagzeugen“ hat er einen eigenen Ansatz an das Trommelbauen: er hat sich auf den Bau von Schlagzeugen spezialisiert, die tatsächlich akustisch gespielt werden. Passend dazu schuf und vertreibt er sehr erfolgreich die Silent Sticks, Trommelstöcke, die 80% leiser sind, sowie Heritage Heads, Attack-reduzierte Schlagzeugfelle für den akustischen Einsatz. Er ist verheiratet, hat 5 Kinder, und lebt mit seiner Familie in Hamburg.

Problem: The drums are just too loud! The acoustic sound of the drums is overpowering the front of house mix! Bleeding into the vocal mics! Driving other band members’ monitor levels up! Drawing complaints from congregation membeårs … and the senior pastor! That’s way too many exclamation points for a single paragraph, I know. But I wanted to make clear that I get it. Out-of-control drum levels – especially from cymbals and snare – are a HUGE and common problem in church audio. But, in my opinion, the most common solutions – the things that (just about) everyone is doing to “solve” the problem – are NOT the best solutions.

Conventional, widely-accepted “solutions” include spending big money on plexiglass drum walls, sound absorption panels, sound proofed (hopefully ventilated) enclosures or (worst of all) electronic drums. In many cases – with these more common attempts applied – the problem of the drums being too loud is only reduced and not solved. And the source of the problem has only received a “Band-Aid” treatment. The REAL problem (the drummer’s playing too loud!) has not actually been addressed at all.

There are those who claim that the “fish tank” drum enclosure or the electronic kit has completely solved the problem. But at what cost? Maybe the audio engineer is happy, but we may have simply exchanged one set of problems for others. The mix might be more in control, but are the musicians and congregation really engaged? Catching the vibe? Singing? Are they fully experiencing the level of horizontal and vertical connection that is our MAIN objective?

For the most part, the people in the congregation don’t understand what’s going on with keyboards, guitars and mixing consoles. But everyone has at least some connection with two elements of what we’re presenting: the human voice and the drums. It is my firm belief that church congregations – regular people – are MOST warmly invited to sing worshipfully to God by way of the fundamental, primal musicality of singing and – “hit stuff make noises” – the drums.

If connection is our goal – and the drums are one of our most valuable assets to bring it about – more serious consideration ought to be given before we build physical barriers around, or resort to synthetic version of the drums. Barriers are built to isolate. But we’re all about using music to achieve connection, right?

So, before you take the well-worn path of “Every other church is doing it, so it must be what’s right for us”, PLEASE try, or at least consider these steps to a better solution:

1.) Drummers MUST have dynamic control
The problem is NOT that we don’t have drum shields. The problem is that the drums are too loud. The drums are too loud because the drummer is hitting them with too much force! Many drummers have never been taught – or never learned – dynamic control. Yet, using dynamics well is a prerequisite for musicality. The fastest way to ensure a drummer never learns dynamic control is to put them on an electronic kit, or in an enclosure. Drummers must “play the room”! When they strike a drum or cymbal, they must recognize they are activating every air molecule and utilizing every surface in the room that they are in. They must see the whole room as their instrument and play the drums accordingly and with appropriate volume.

2.) Clearly Communicated Expectations
The musical director (MD) MUST be ready to make the essential requirement of dynamic control known to the drummer. Well informed by the audio engineer, they must exercise their authority to direct in this way. If the drums are too loud, maybe hot rods are needed. Brushes? A djembe? Be ready to help your drummer learn to “play the room” at appropriate volume levels. Altering the hardware until they learn, can sometimes be the only way forward. After all, the drummer playing the drums “their way” is NOT our highest priority. Crafting a sound in the room that helps people sing prayers to God and reminders of God’s truth to each other is the objective.

3.) Resist Hit Single Replication
Recognize that in our local church setting we are NOT trying to copy every detail of a song that was recorded live by Hillsong in front of 20,000 people or in a pro Nashville recording studio, using every trick available to produce a slammin’, arena-pop anthem for the masses. The massive sound of pounding drums and cymbals being beaten within an inch of their life might work great in those setting. But not for us! The intensity of the drum playing needs to be right for our room, our songs, our people and our version of the song. That invariably means LESS!

4.) Position of the Drum Kit
Where is the drum kit in relation to other microphones? It’s always a good idea to keep any vocal microphones as far away from the drum kit as possible. Ideally, I like to have the drum kit far off to one side or other of the platform and angled slightly towards the center with the leading vocalist in the center. If there is a line of singers on the platform, have them positioned on the opposite side from the drums. This will greatly reduce drum “spill” in unwanted places.

5.) Inappropriate Drum/Cymbal Choice
Most drum kits made since Led Zeppelin’s John Bonham hit the scene in the 70’s have been made to be hit hard and loud. But drums don’t have to be like that. There are alternatives! What type of drums and cymbals are you using? The reason why some drummers find it so difficult to play more quietly is because the drums they’re playing are made to “sing” only when they are hit hard. Cheaper kits especially, choke when played more gently. Hitting them hard can disguise the uninspiring, poor quality of their sound. Higher quality, smaller diameter, thinner shelled drums, matched with “darker” more mellow cymbals should be used in church settings. I’m a fan of Adoro’s “worship series” drums for great sound at lower playing intensity.

6.) Cymbal Shields
When the acoustic sound of drums is too loud, it’s actually the higher frequencies that become offensive first. Principally that’s the cymbals and the top “crack” of the snare. Instead of shielding or enclosing the whole kit, consider shielding just the cymbals. Without isolating the drummer, the most troublesome frequencies of the kit can be reduced with far smaller pieces of plexiglass in just the right positions. Check out this YouTube video by Harald Rubens (Steven Curtis Chapman’s audio engineer) explaining and demoing the benefits. And even more convincing is this A/B comparison video from Smokin’ Ace.

Having drums behind walls, inside a “fish tank” or from electronic pads with “fake”, synthetic sounds always sucks away the “vibe” and makes it more difficult for true connection to occur. Let’s hold onto, or bring back, the joy of sharing the same vibrating air with acoustic drums – but at the right volume level!

My tongue is only partially in my cheek, as I quote a Bible verse to finish this article:

The Lord is my strength and my shield;
in him my heart trusts, and I am helped;
my heart exults, and with my song I give thanks to him.
Psalm 28:7 (ESV)

See! The Bible tells us that God is our shield. Surely it follows that we don’t need another shield made of plexiglass!

For more info on this topic, click these video links:
Solving Drum Volume Issues: Without a “Fish Tank”
Solving Drum Volume Issues: Dynamic Control

Photo by Dan Gold on Unsplash

Christoph Schmieding

Aufgewachsen als Gemeindemusiker, trommelt Chris heute in verschiedenen Projekten im Bereich Singer/Songwriter, Gospel, Jazz und Improvisationsmusik. Chris ist Teil der Mosaik Community Düsseldorf, die im Rahmen ihrer „Kulturbühne“ regelmäßig Konzerte mit bekannten Künstlern in Wohnzimmer Atmosphäre organisiert.

This does not have to be awkward, you can actually enjoy playing less loud, and improve your stage sound while doing so. This is all a matter of good choices and skills:

– the right instrument. Believe it or not, but certainly there are loud drums. Wanna play less loud, start with less loud drums and cymbals. We cover what you need to know to make a good choice.

– the right tools. There are plenty of options for drum sticks, we will show you the options and what works best. Also, there are drum heads that work great, and some don’t. We gonna have it covered.

– of course, the right approach. Bashing might not be the right way to play low volume. We will talk about technics to lay relaxed, keep a good time while having perfect control over your volume and sound.

– tuning. When you sound good, you can get away with playing louder, actually… But also, a well tuned drum kit will swing in quickly and let you have a great sound even when just breathed on. Learn how.

– room improvements. You play the same room every (sun-)day? There are things you can do, and some you should not, to improve sound and volume!

– muffling. Oh, that is a short sermon: simply don’t. It’s bad. Learn why.

…and everything else we can think of make playing drums more enjoyable for both the drummer and the audience, even in the most difficult situations. Many drummers contributing here are worship drummers, playing in different churches every week. Some play Jazz in the tiniest clubs, all our drummers have one thing in common: they want to sound as good as possible, because they cannot rely on sound engineers to „make“ their drum sound. So here is how we do it.

When you have something to contribute, let us hear from you!

Stefan Korth

Stefan ist Schlagzeugbauer und Unternehmer. Mit seinen „leisen Schlagzeugen“ hat er einen eigenen Ansatz an das Trommelbauen: er hat sich auf den Bau von Schlagzeugen spezialisiert, die tatsächlich akustisch gespielt werden. Passend dazu schuf und vertreibt er sehr erfolgreich die Silent Sticks, Trommelstöcke, die 80% leiser sind, sowie Heritage Heads, Attack-reduzierte Schlagzeugfelle für den akustischen Einsatz. Er ist verheiratet, hat 5 Kinder, und lebt mit seiner Familie in Hamburg.